Путь осознания себя История русского искусства традиционно ведется с конца X
в., когда в 988 г.
при князе Владимире Святославиче Русь приняла христианство. Оно пришло из
Византии, Русь стала частью православного, восточно-христианского мира, а потому
ее искусство изначально было обращено к византийской традиции. ДРЕВНЕРУССКОЕ ИСКУССТВО Самым грандиозным сооружением Киевской Руси был собор Святой
Софии, построенный в Киеве в XI в. Его возвели приезжие мастера в традициях
византийского зодчества из плинфы (плоский кирпич). В основе архитектурного
замысла - огромный пятинефный крестово-купольный храм с пятью алтарными апсидами
на востоке. Увенчанный 13 главами храм с трех сторон окружали галереи с двумя
встроенными лестничными башнями. (В XIII в. во время татаро-монгольского нашествия
собор сильно пострадал, и в XVII в. он был восстановлен в стиле украинского
барокко.) Интерьер храма украшали фрески и мозаики. Причем в технике мозаики,
более сложной и дорогой, были выполнены изображения в главных частях храма. В
куполе - Христос Пантократор (Вседержитель) с Евангелием в руках в окружении
архангелов. Ниже, в барабане купола, - апостолы, ученики Христа, а в парусах,
на верху столбов, поддерживающих купол, - четыре евангелиста, четыре «столпа»
христианского учения. В верхней части алтарной апсиды - величественная фигура
Богоматери Оранты, с воздетыми в молитве руками. Неотъемлемой частью убранства
византийских и русских храмов были иконы. Уже в XI—XII вв. на Русь привозили
многочисленные греческие иконы, которые служили образцами для русских мастеров.
Так, в первой половине XII в. из Константинополя в Киев доставили знаменитую
икону Богоматери, перенесенную затем во Владимир и известную в наши дни как
Владимирская. Иконы, относящиеся к эпохе Киевской Руси, до нас практически не
дошли, хотя из летописных источников известно о существовании в это время
иконописных мастерских (например, в Киево-Печерском монастыре). Самые ранние
русские иконы, из сохранившихся до наших дней, относятся к 12-началу 13 в. Одна
из них, двусторонняя выносная икона «Спас Нерукотворный», чудесным образом
запечатлившая лик Христа. В ней поражает царственное, героическое величие
образа Спасителя при удивительной лаконичности художественного языка. В XII в. Киевское государство распалось на множество
удельных княжеств. В каждом из них сложились собственные художественные традиции.
Во Владимиро-Суздальском княжестве утвердился тип белокаменного
крестово-купольного храма, в архитектуре которого сочетались византийские и
западные романские черты. Таков Дмитриевский собор, построенный во Владимире в
конце XII в. Это одноглавый крестово-купольный храм византийского типа. Однако
многие его элементы - перспективные окна и порталы, декоративный аркатурный
пояс, белокаменные рельефы на фасадах и сама техника кладки - были
заимствованы из романской архитектуры латинского Запада. Впервые их
использовали европейские мастера, приглашенные Андреем Боголюбским для возведения
своей резиденции под Владимиром. Позднее эти элементы, столь полюбившиеся
русским мастерам, стали неотъемлемой частью местных храмов. Так из сплава
разных традиций родилось самобытное владимиро-суздальское зодчество. Суровые и строгие
церкви Великого Новгорода не были похожи на изящные и нарядные
владимиро-суздальские храмы. Долгие годы Новгород считался вторым главным
городом Руси после Киева. В середине XI в. по образцу Святой Софии Киевской
был построен собор Святой Софии в Новгороде. Он отличался монументальной
простотой, суровостью, строгостью и отсутствием декора. Позднее эти черты
стали характерными для новгородской архитектуры. Прекрасным примером
новгородского зодчества XII в. является церковь Спаса Преображения на
Нередице. Она представляет собой одноглавый крестово-купольный храм, т. е.
принадлежит к тому же архитектурному типу, что и Дмитриевский собор во
Владимире. Однако внешний облик новгородского храма иной - суровый и
лаконичны». В XIII в. во время татаро-монгольского нашествия достигшая
расцвета культура большинства русских княжеств погибла. Новгород был одним из
немногих городов, избежавших завоевания, и художественная традиция в нем почти
не прерывалась. В XII в. на Руси появился другой важный политический и
культурный центр - Москва. И именно вокруг него, а не Новгорода объединились разрозненные
русские земли. Одним из крупнейших мастеров, работавших на Руси (и в Новгороде,
и в Москве) в конце XIV-начале XV в., был византийский художник Феофан Грек
(ок. 1340-ок. 1410). Мастер создал ряд икон, в их числе знаменитая двусторонняя
икона «Богоматерь Донская» с «Успением» на обороте. Высшей духовной красоты
исполнен лик Богоматери, одновременно скорбный и просветленный. Светом
пронизаны и одежды Младенца Христа, выполненные тончайшей золотой штриховкой -
ассистом. Одним из крупнейших русских художников был Андрей Рублев (1360-1430).
В своих произведениях он сумел раскрыть такие черты русской духовности, как
стремление к спокойной созерцательности, внутренней просветленности, молитвенной
сосредоточенности, тишине и гармонии. Самым прекрасным произведением
древнерусской живописи и самым совершенным творением художника (из
сохранившихся до наших дней) является икона «Троица». К выдающимся работам
Рублева относятся фрески Успенского собора во Владимире (1408), а также три
иконы - «Спас», «Архангел Михаил» и «Апостол Павел» (ок. 1400). В это время в
русских храмах на смену низким алтарным преградам пришли высокие многоярусные
иконостасы. В центре иконостаса находились Царские врата, а иконы в нем располагались
по рядам - чинам. Нижний чин назван местным, поскольку в нем второй справа от
Царских врат расположена икона с изображением праздника или святого, которому
посвящен храм. Второй ряд - деисусным: в нем перед Христом в молитве показаны
Богоматерь, Иоанн Креститель, архангелы и святые. Выше расположены праздничный,
пророческий и праотеческий чины. К деисусному чину Успенского собора в
Звенигороде и принадлежали три иконы Андрея Рублева с изображением Спасителя,
архангела Михаила и апостола Павла. На рубеже XV-XVI вв. политическая и культурная ситуация на
Руси радикально изменилась. В 1480
г., в правление князя Ивана III, произошло
окончательное освобождение государства от татаро-монгольского ига. Тогда же
завершилось объединение русских земель вокруг Москвы, которая после гибели Византии
в 1453 г.
претендовала на роль главного центра православного мира. В связи с этим встала
задача создания нового архитектурного ансамбли Кремля как символа Москвы и всей
России. В 1475-1479 гг. по проекту знаменитого итальянского архитектора
Аристотеля Фиораванти был воздвигнут Успенский собор Московского Кремля -
главный храм русского государства. Облик собора, увенчанного пятью главами и
украшенного аркатурным поясом, был традиционным для русской архитектуры. Он
имел большое сходство с памятниками владимиро-суздальского зодчества XII в., т.
к. образцом для него послужил Успенский собор во Владимире (1158-1189). Но внутреннее
пространство московского храма было иным: благодаря использованию круглых
столбов и крестовых сводов оно превратилось в единый высокий и светлый зал, а
не делилось на нефы, как это было принято в русской архитектуре. Вскоре рядом
с Успенским собором возвели Грановитую палату, Благовещенский и Архангельский
соборы, церковь-колокольню Св. Иоанна Лествичника, известную как колокольня
Ивана Великого. Ярким представителем рублевского направления в искусстве
XV-XVI вв. был Дионисий (ок. 1440-ок.1505). Его творчество — более торжественное
и праздничное и в то же время более строгое и отрешенное, чем искусство Андрея
Рублева. Для праздничного чина иконостаса Северного Павло-Обнорского монастыря
близ Вологды Дионисий написал икону «Распятие», которая, вопреки скорбному
сюжету, прославляла победу Христа над смертью. Хвалебным гимном Богоматери
воспринимаются светлые и радостные фрески собора Ферапонтова монастыря близ
Вологды. Ведущая роль в русском искусстве XVI в. принадлежала
архитектуре. В ней появился новый тип шатрового храма. Обычно такие сооружения
воздвигали в память о знаменательных событиях. Собор Покрова на Рву, известный
как собор Василия Блаженного, построили по велению Ивана Грозного в честь
победы над Казанским ханством в 1552
г. Планировка собора необычна и сложна: на высоком
общем основании - подклете - вокруг центрального Покровского храма, увенчанного
высоким шатром, расположены еще восемь церквей-приделов. Сложная
архитектурная композиция и декоративное убранство фасадов, обильно украшенных
филенками, карнизами, кокошниками и цветными изразцами, заставляют воспринимать
этот храм не только как памятник военной победы, но и как символический образ
Небесного Иерусалима, обители праведников. Для русских храмов первой половины XVII в. была характерна
асимметричная планировка, сложные внешние формы и обилие затейливого декора
на фасадах. Они сильно отличались от возвышенных и строгих храмов прошлых веков
и напоминали сказочные терема. К таким сооружениям относятся московские
церкви Троицы в Никитниках (1628-1653) и Рождества Богородицы в Путниках
(1649-1652), некоторые храмы Мурома, Углича, Ярославля и других городов.
Несколько иные тенденции наметились в архитектуре второй половины XVII в.
Уникален собор подмосковного Воскресенского монастыря. По замыслу его
основателя - патриарха Никона - собор точно повторял храм Гроба Господня в
Иерусалиме. Но только в плане и общей структуре. Его внешний облик и интерьер
были выдержаны в традициях русского зодчества. Основные части здания - перекрытая
шатром ротонда с часовней Гроба Господня на западе и храм Воскресения Господня
с подземной церковью с в в Константина и Елены на востоке. С юга к собору примы
кала высокая колокольня (взорвана фашистами в 1941). Карнизы, наличники,
порталы и даже иконостасы храма обильно украшали цветные поливные изразцы. Последним ярким явлением в русском средневековом зодчестве
был стиль, известный как нарышкинское барокко. Одним из его первых образцов
стала церковь Покрова в Филях. Это высокое многоярусное здание обильно украшено
резными белокаменными деталями, красиво выделяющимися на красном кирпичном
фоне. В архитектуре нарышкинского барокко с ее симметрией, регулярностью,
нарядностью и широким использованием ордерных элементов уже ощущался поворот к
формам европейского зодчества. СНЫ
О РОССИИ. КУЗЬМА СЕРГЕЕВИЧ ПЕТРОВ-ВОДКИН. Кузьма Сергеевич Петров-Водкин (1878-1839) прошел долгий
путь творческих исканий. Выпускник Московского училища живописи, ваяния и зодчества,
молодой художник много путешествовал. На его творчество оказывало влияние и
искусство Востока, и русская иконопись, и европейский символизм. Петров-Водкин
стремился к идеальной форме, способной выразить сложный философский смысл.
Тонкая интуиция художника позволяла ему создавать емкие многозначные образы.
Когда в 1912 г.
появилась картина «Купание красного коня», живописец не мог определенно
ответить на вопросы о ее смысле. Начавшаяся вскоре Первая мировая война, а
затем и Октябрьская революция проявили суть полотна. На переднем плане показан
обнаженный хрупкий юноша верхом на мощном красном коне. Контраст между всадником и животным загадочен, неоднозначен в своем
толковании и красный цвет. Он может быть праздничным и трагическим, радовать и
пугать. Ассоциации с русской иконой не только по внешней форме, но и по глубине
содержания, делали эту картину символом России того времени. Художественная интуиция не изменила Петрову-Водкину и в годы
кардинальных перемен. В 1920
г. он пишет «1918 год в Петрограде». Образ женщины,
кормящей ребенка, так определенно вызывает в памяти Богоматерь, что картину
часто называют «Петроградская Мадонна». В разрушенном голодном городе светлый
женский образ напоминал о жертвенности матери. Чем больше времени проходит с
той поры, тем более емким и содержательным представляется этот волнующий
образ. ИСКУССТВО 18-19 ВЕКОВ В конце XVII- начале XVIII в. в судьбе России произошел
крутой перелом. Петр 1 решительно развернул страну в сторону Европы. Преобразования
должны были вывести Россию из состояния политической, экономической и
культурной замкнутости и сделать ее полноправным и влиятельным европейским
государством. В 1703 г.
для защиты возвращенных России новгородских земель в устье реки Невы началось
строительство крепости. В соответствии с традицией в ней возвели деревянную
церковь, освященную в память св. апостолов Петра и Павла. Вокруг крепости
построили город Санкт-Петербург, который с 1712 г. стал новой столицей
Русского государства. В том же году архитектор Доменико Трезини (ок. 1670-1734)
заложил новый Петропавловский собор - трехнефную базилику с куполом на
средокрестье и высокой западной башней, увенчанной великолепным шпилем. Два
века зодчие трудились над созданием города с ясной планировкой, прямыми
проспектами, прекрасными площадями и дворцами. Искусство бурного петровского
времени отличалось светской направленностью. Необходимость украшения
многочисленных дворцов привела к развитию декоративной живописи и скульптуры.
Широкое распространение получило искусство парадного портрета. В Петербург
хлынул поток западноевропейских художников, скульпторов и зодчих, искателей
счастья и заработков. Среди них встречались крупные мастера, такие как
Бартоломео Карло Растрелли (1675-1744), написавший прекрасные портреты Петра I,
одновременно пафосно выразительные и достоверные. Его сын, Франческо
Бартоломео Растрелли (1700-1771), приехавший в Россию в 16 лет, создал
великолепные дворцы, в которых зрелые формы европейского барокко сочетались с
истинно русским размахом и нарядностью. Наиболее значительными архитекторами,
работавшими в то время в России, были Антонио Ринальди, Джакомо Кваренги,
Чарльз Камерон. Во второй половине XVIII в. появились русские мастера,
освоившие лучшие достижения европейского зодчества. Одним из самых ярких
московских архитекторов был Василий Иванович Баженов (1737-1799). К сожалению,
многие его грандиозные замыслы остались невоплощенными (например, проект
царского дворца в Московском Кремле). Десять лет Баженов работал над созданием
загородной резиденции в Царицыно (1775-1785). Стиль архитектурной фантазии
автора трудно определить. Здесь встречаются исконно русские красный кирпич и
белый камень, живописная планировка ансамбля и готические стрельчатые окна и
башенки, классические карнизы и рустованный цоколь и усложненные в духе барокко
планы с любимыми овальными залами. Сам Баженов считал, что ограничить
творческую выдумку мастера может только его вкус, а не правила. Ансамбль в Царицыно
не понравился Екатерине 2. Она приказала снести часть павильонов и перестроить
главный дворец. Одновременно с этой работой Баженов выполнил заказ дворянина
П. Е. Пашкова. Так называемый «Дом Пашкова», нарядный и величественный, воздвигнутый
на высоком холме в центре Москвы напротив Кремля, и сейчас является украшением
города. Учеником Баженова считал себя Матвей Федорович Казаков (1738-1812). Он
был ведущим московским архитектором конца XVIII в. и создал как главные мания
города - Сенат в Кремле, дом
генерал-губернатора, Университет, - так и многочисленные частные лома и церкви.
Никогда не покидавши» Москву, Казаков тонко чувствовал основные направления
развития европейского зодчества. Отдав дань романтическим увлечениям средневековой
архитектурой (Петровский подъездной дворец), он работал в основном в традициях
палладианской классики. В середине 1780-х гг. Казаков создал колонный зал
Дворянского благородного собрания. Работы мастерской зодчего заметно
преобразили столицу, но, к сожалению, «казаковская» Москва почти исчезла в
пожаре 1812 г. Увлечение стилем ампир, который завоевал всю Европу, не
миновало и Россию. После изгнания Наполеона в русской архитектуре ощущался пафос победного ликования.
Как нигде в Европе, в России развернулось бурное строительство. Карл Иванович
Росси (1775-1849), получив заказ на перестройку зданий Главного штаба,
сосредоточил свое внимание на Триумфальной арке, ставшей символическим
завершением ансамбля Дворцовой площади в Петербурге. Главным архитектором
послепожарной Москвы был Осип Иванович Бове (1784-1834). Следуя традиционной
кольцевой планировке исторического центра города, он разработал систему
площадей и улиц вокруг Кремля. В наши дни облик, близкий к облику начала XIX
в., сохранила тишь Театральная площадь, на которой возвышается здание
Большого театра с величественным восьмиколонным ионическим портиком. На протяжении всего XVIII в. лидирующие позиции в русском
искусстве занимала архитектура: творчество живописцев и скульпторов гораздо
меньше воздействовало на просвещенное общество. Первым художником, имевшим
громкий успех в Европе и потрясшим русскую публику картиной «Последний день
Помпеи», был Карл Павлович Брюллов (1799-1852). В 1857 г. появилась самая
грандиозная картина XIX в. «Явление Христа народу». Ее создатель, Александр
Андреевич Иванов (1806-1858), верил, что своим искусством художник может
способствовать нравственному преображению человека и в своей работе стремился
обратить современников к духовным и моральным ценностям начала христианства.
Художник посвятил произведению двадцать лет, но итог его титанической работы
разочаровывает: картина мало волнует зрителя, а ее сложные религиозно-философские
идеи открываются лишь посвященным. Внимание живописцев вес больше привлекала
повседневная жизнь с ее обычными человеческими переживаниями. Первым
замечательным русским художником, писавшим жанровые картины, был Павел
Андреевич Федотов (1815-1852). Его произведения отличают занимательно выстроенные
сюжеты, внимание к деталям и добрый юмор. Подлинного расцвета русская жанровая
живопись достигла после отмены крепостного права в 1861 г. Преисполненные
чувства ответственности перед народом художники считали необходимым показать
его тяжелую долю. Самым популярным живописцем 1860-х гг. был Василий
Григорьевич Перов (1834-1882). Человек нелегкой судьбы, он глубоко чувствовал
обездоленность народа и стремился добиться сочувствия к нему: безутешной
вдове («Проводы покойника») или детям, из последних сил тянущим на морозе
оледенелую бочку с водой («Тройка»). Действие на картинах Перова происходит
обычно стылой российской зимой, и скупые краски природы усиливают ощущение
мрачной, беспросветной жизни их персонажей. Перов возглавил группу московских художников,
вошедших в состав Товарищества передвижных выставок, основанного в 1870 г. в Петербурге.
Начиная с 1871 г.
выставки передвижников проходили ежегодно в разных городах России. С Товариществом
были связаны почти все заметные художники-реалисты. Одним из лидеров движения
передвижников был Илья Ефимович Репин (1844-1930). Известность молодому
живописцу принесла большая картина «Бурлаки на Волге», которой автор сумел
придать поистине эпический размах. Одаренный колорист и тонкий портретист Репин
писал сцены из жизни русской провинции («Крестный ход в Курской губернии»),
картины на исторические и былинные сюжеты («Иван Грозный и сын его Иване.,
«Садко»), портреты представителей демократической интеллигенции. Репин живо
откликался на все волновавшие общество события. Известен его отзыв на творчество
импрессионистов: «Живопись ради живописи. К чему это?» Репина особенно
привлекали ситуации, в которых наиболее полно раскрывались чувства людей. В
картине «Не ждали» он психологически точно и с глубоким сочувствием изобразил
возвращение каторжанина домой. Своим творчеством художники участвовали в
дискуссиях о путях развития России. В этой связи важно было объяснить
переломные моменты жизни страны. Лучшие исторические картины, отразившие
трагедийную сложность событий, создал Василий Иванович Суриков (1848-1916). Его
волновала участь неординарной личности, попавшей в жернова истории («Меньшиков
в Березове», «Боярыня Морозова»). В отличие от Сурикова, стремившегося глубоко
проникнуть в историческую реальность, Виктор Михайлович Васнецов(1848-1926)
обратился к сказкам и былинам как к источнику любимых народных образов. Своими
работами Васнецов напомнил художникам и еще об одной задаче искусства -
украшать, делать мир вокруг человека радостным. Самая знаменитая картина
художника «Богатыри», созданная в момент экономического и политического
подъема России, отличается оптимизмом и патриотическим пафосом. Поиски истинно
русского начала привели во второй половине XIX в. к созданию прекрасных пейзажей.
Одним из его основоположников был Алексей Кондратьевич Саврасов (1830-1897). В
простом сюжете картины «Грачи прилетели» он сумел показать трогательный родной
пейзаж, столь сильно волнующий душу каждого человека. Тонкое лирическое
переживание природы, дополненное эпическими образами, характерны для
творчества другого русского пейзажиста - Ивана Ивановича Шишкина (1832-1898).
Сосны на его картине «Рожь» сравнивали с могучими богатырями, стоящими посреди
широкого поля. Создавая пейзажи, Шишкин часто использовал фотографии природы,
так как считал необходимым точность в передаче деталей. При этом ему удавалось
сохранить впечатляющую целостность художественного образа. Среди тех, кто
открыл особую прелесть пейзажа, был Исаак Ильич Левитан (1860-1900). Начав с
характерных для передвижников работ («Владимирка», «Вечерний звон», «Над вечным
покоем»), он пришел к удивительно лиричным и радостным сюжетам («Март», «Золотая
осень»). Главным в них стало знакомое каждому восторженное переживание
солнечного весеннего дня или удивительных красок осени. В XIX в. европейское
зодчество отличал интерес к национальным истокам. Образцом для русских
мастеров служила архитектура XVII в. В 1883 г. в Москве закончилось строительство
Исторического музея, выполненного по проекту Владимира Осиповича Шервуда
(1833-1897). Высокие башенки здания из красного кирпича перекликались с шатровыми
завершениями башен Кремля. Декоративные детали - кокошники, поребрик (поясок из
положенного ребром кирпича), фигурные наличники и т. д. - соответствовали украшениям
Кремля, собора Василия Блаженного и Казанского собора. В начале XX в. русская архитектура обратилась к опыту
европейского ар-нуво - стилю, который в России получил название «модерн».
Расцвет архитектуры модерн связан с именем Федора Осиповича Шехтеля
(1859-1926). Он был автором многих зданий в Москве: Ярославского вокзала,
гостиницы «Боярский двор» и других. Лучшим произведением Шехтеля считается
особняк знаменитого промышленника и банкира С. П. Рябушинского, построенный в
начале 1900-х гг. Характерное для модерна асимметричное решение здания
соответствовало его внутренней планировке, выполненной с учетом максимального
удобства для семьи заказчика. Разнообразие декоративных мотивов отличало
внешнее и внутреннее убранство особняка. Жажда прекрасного и необычного постепенно возобладала над
передвижнической традицией критического отражения действительности в
живописи. Валентин Александрович Серов (1865-1911), ученик Репина, создав
«Девочку с персиками», сказал: «Я хочу писать только отрадное». Серов был
крупнейшим живописцем конца Х1Х-начала XX в. Его искусство трудно отнести к
одному художественному направлению. В творчестве мастера, чутком к требованиям
времени, видно развитие живописи от станковой картины до декоративного панно.
Серова можно считать и ведущим портретистом своего времени. Его друг и соученик
по Академии художеств Михаил Александрович Врубель (1856-1910) считал, что
предназначение художника - не изображать действительность, а проникать в
мистические миры. Его работы «Демон сидящий» и «Демон поверженным» завораживают
сияющей красотой цвета и напряженной трагичностью переживания. Подобно
европейскому, русское искусство также обратилось на рубеже веков к
символическим образам. В отличие от демонического мира Врубеля, искусство его
современника Виктора Эльпидифоровича Борисова-Мусатова (1870-1905) окрашено
светлой грустью и меланхолическими поисками гармонии. Мечтающие девушки на
его картине «Водоем» словно пребывают в мире отражений. Начало XX в. ознаменовалось бурной сменой художественных
стилей и направлений от модерна до абстракционизма. Русские живописцы были
одними из самых радикально настроенных искателей новых истин. Разрыв со старым
миром России принесли Первая мировая война и революция. ИСКУССТВО НОВОГО МИРА Трудный период, наступивший после Октябрьской революции 1917 г., пробудил творческую
активность многих талантливых художников. Первым откликом на события времени
был плакат. Символом эпохи стала работа Моора (псевдоним Дмитрия Стахиевича
Орлова, 1883-1946) «Ты записался добровольцем?». Бурный энтузиазм художников
вызвали заказы на оформление новых праздников революционной России. Одним из
самых выразительных образов обновления была работа Натана Исаевича Альтмана (1889-1970) по оформлению
Дворцовой площади в Петербурге к первой годовщине Октябрьской революции. Вокруг
Александрийской колонны Монферрана были закреплены алые стяги, трепетавшие на
ветру, создавая образ «огня революции», сжигающего старый мир. В 1920-е гг.
возникали и распадались многочисленные художественные группы и объединения.
Разнообразными были творческие манеры живописцев. Несмотря на это, можно
выделить два основных художественных направления. Представители первого, такие
как Малевич, Кандинский, Татлин и конструктивисты Родченко, Степанова, Попова,
братья Веснины и другие, считали, что прошло время отражения окружающего мира и
настала пора творить саму действительность. Вторые - продолжали заниматься
станковой живописью, стремясь обновить ее темы и художественные приемы. Острая
полемика развернулась между членами Ассоциации художников революционной
России (АХРР) и Общества Станковистов (ОСТ). Первые считали, что надо
стремиться к максимальной достоверности в изображении событий новой эпохи и ее
героев. Так, Исаак Израилевич Бродский (1884-1939) использовал для своей
картины «В. И. Ленин в Смольном» фотографию вождя. Вторые говорили о
радикальном обновлении художественных приемов для передачи пластики и
пространства нового, динамичного мира. Картина Александра Александровича Дейнеки
(1899-1969), лидера ОСТа, «На строительстве новых цехов» по своей стилистике
ближе к плакату. В начале 1930-х гг. вместо многочисленных группировок,
которые постоянно спорили друг с другом, появились творческие союзы. Они были
призваны продемонстрировать единство деятелей культуры на пути построения
нового общества. Однако позднее власть стала поддерживать только то
направление в искусстве, которое продолжало традиции передвижников. Свободный
рынок художественных произведений не развивался, основное значение имел
государственный заказ. Работам того времени был свойствен оптимистический
пафос. Очень характерна картина Бориса Владимировича Иогансона(1893-1973)
«Допрос коммунистов», передающая искреннее восхищение автора мужеством героев
революции. Весь мир восторгался скульптурной группой Веры Игнатьевны Мухиной
(1889-1953) «Рабочий и колхозница», венчавшей павильон Советского Союза на
Всемирной выставке в Париже в 1937
г. Многие работы того периода прославляли лидеров партии
и правительства, их встречи с народом. Это направление получило название
«аплодисментный стиль». В Великую Отечественную войну традиционные виды
изобразительного искусства утратили свои позиции. Наиболее выразительный
художественный материал дала фотография. Должно было пройти два десятка лет
после победы, чтобы появились монументы, своим пафосом соответствующие силе
народного патриотизма. Грандиозным памятником подвигу победителей стал
комплекс на Мамаевом кургане и Волгограде, выполненный пол руководством Евгения
Викторовича Вучетича (1908-1974). Переломным моментом в жизни государства стала смерть Сталина
и XX съезд КПСС, возродивший мечты о коммунизме. Однако путь к светлому
будущему пролегал через суровые будни, и скромные люди, преодолевая трудности,
не думали, что совершают подвиг. Подчеркнутой строгостью и аскетизмом пронизаны
картины Павла Федоровича Никонова «Наши будни» и Таира Теймур оглы Салахова
«Ремонтники». Если многие картины, скульптуры, гравюры прошлых лет и по сей
день скрыты в запасниках музеев, то архитектура остается зримым свидетельством
своего времени. Здание Московского университета на Воробьевых горах,
построенное под руководством Льва Владимировича Руднева (1885-1956), было одним
из московских высоток, призванных показать преодоление послевоенной разрухи и
устремленность новых поколений советских людей к знаниям. Оно и сейчас играет
заметную роль в панораме мегаполиса. Радостное ощущение народа-победителя
сказалось в обилии декоративного оформления станции кольцевой линии Московского
метрополитена. Особой пышностью отличается перонный зал «Комсомольской-кольцевой»,
названный «Зал Победы». Стремление русских архитекторов доказать, что они
могут успешно работать в распространенном в 1960-е гг. так называемом «интернациональном
стилем, привело к созданию Калининского проспекта. В 1970- 1980-е гг. популярными стали формы авангардного
искусства: акции, хэппенинги, перформансы. Здесь художник представлял не какую-либо
работу, а самого себя как носителя идеи. В действие, обычно разыгрываемое в
городской среде или на природе, вовлекалась и публика. В 1980-1990-е гг.
возникли частные галереи, поддерживающие нетрадиционные формы искусства.
Сегодня произведения отечественных мастеров самых различных направлений можно
видеть на крупнейших выставках мира. Что касается стиля, то в современном
искусстве есть все: от неопримитивизма и стилизации под народные промыслы до
сюрреализма и абстракционизма. На протяжении веков русское искусство развивалось в тесном
взаимодействии с мировым, особенно европейским. Но творчески откликаясь на
веяния времени, оно всегда имело свои национальные особенности.
|